Im Verlauf ihrer Geschichte hat sich die Musik als kulturelles und ökonomisches Gut immer wieder Modifikationen unterzogen und technologische Entwicklungen durchlebt.
Mit dem Aufkommen des Internets und dem Beginn des “Digitalen Zeitalters“, das ein Set neuer Technologien hervorbrachte, ist die Musikpraxis und -wirtschaft vor bis dato
unvergleichliche Herausforderungen gestellt worden. Die Loslösung der Musik von ihrem physischen Trägermedium stellt in diesem Kontext eine der innovativsten Entwicklungen
dar und bewirkt seitdem weitreichende Umgestaltungen entlang der gesamten Wertschöpfungskette der Branche. Als Reaktion auf diese Genese konnte lange Zeit, insbesondere bei den Major Labels, ein konservatives Festhalten an der gängigen Praxis der Musikindustrie beobachtet werden. Versuche rechtlicher Restriktionen etwa sollten das Aufkommen neuer Implikationen und Konkurrenten weitestgehend unterbinden.
Die strategische Marschroute, eine Abwehrhaltung gegenüber brancheninnovativen Prozessen aufzubauen, offenbarte sich jedoch als nicht ertragsbringendes Kalkül, was sich in starken Umsatzeinbußen ausdrückte.
Es stellt sich daher die Frage, welcher neuen Strategien es seitens der Musikindustrie bedarf, um der Vielschichtigkeit an Möglichkeiten, die mit der Digitalisierung im Musikmarkt
einhergehen, gerecht zu werden, und trotz des einfachen und meist kostenfreien Zugangs zur Musik im Internet, Erlöse erzielen zu können.
Auf einen Blick
- Note: 1,7
- Fortführung von Tschmucks Paradigmenmodell für die Musikindustrie des 21. Jahrhunderts
- Analyse von Bourdieus Feldtheorie und Petersons Production-of-Culture-Ansatz
- 188 Quellen im Literaturverzeichnis
- 5 Abbildungen
Inhaltsverzeichnis
1 EINLEITUNG
1.1 Einführung
1.2 Eingrenzung des Feldes und Methodik
1.3 Untersuchungshypothesen
1.4 Vorgehensweise
2 THEORETISCHES FUNDAMENT
2.1 Feldtheorie von Bourdieu
2.2 Production-of-Culture Ansatz nach Peterson
3 GRUNDLAGEN
3.1 Die Beschaffenheit der Musik als Gut
3.2 Ausdifferenzierung der Musikindustrie
3.3 Die Tonträgerindustrie
3.3.1 Die Major-Labels
3.3.2 Independent-Labels
3.3.3 Klassische Wertschöpfungskette der Tonträgerindustrie
3.4 Das digitale Zeitalter
4 DER MUSIKKULTURELLE WANDEL
4.1 Kultureller Paradigmenwechsel
4.1.1 Jazz-Revolution
4.1.2 Rock’n’Roll-Revolution
4.1.3 Digitale Revolution
4.2 Kosten- und Wertschöpfungsstrukturen digitaler Musik
4.3 Online Distributoren
4.3.1 Download to Own
4.3.2 Download to Rent
4.3.3 Music as a Service
4.3.4 Internetradios und webradioähnliche Streaming-Dienste
5 SOZIOKULTURELLER WANDEL
5.1 Verändertes Werte- und Normensystem der Konsumenten
5.1.1 Mobilität und Flexibilität
5.1.2 Pluralität und Individualismus
5.1.3 Datenklau als Kavaliersdelikt
5.1.4 Wertschätzung für digitale Musik
5.2 Retromanie
6 PARADIGMA 4: DAS ZEITALTER DES DIGITALEN
6.1 Strukturwandel des Musikmarktes
6.2 Strategieansätze neuer Akteure im digitalen Paradigma
6.3 Eigenständige Erhaltungsstrategien der Tonträgerkonzerne
6.4 Ausbildung einer neuen Musikästhetik?! – Mashup
7 FAZIT
Zielsetzung und Themen
Die Arbeit untersucht den musikkulturellen Wandel der vorwiegend deutschen Musikindustrie im digitalen Zeitalter. Im Mittelpunkt steht die Frage, wie technologische Entwicklungen, veränderte Konsumgewohnheiten und neue Geschäftsmodelle zusammenwirken und welche Strategien sich für die beteiligten Akteure ergeben.
- Historische Paradigmenwechsel und Digitalisierung
- Tonträgerindustrie und digitale Wertschöpfung
- Musikdownloads, Streaming und Internetradio
- Wertewandel, Urheberrecht und Musikpiraterie
- Retroorientierung und neue Musikästhetik
- Strategien etablierter und neuer Marktakteure
Auszug aus dem Buch
3.4 Das digitale Zeitalter
Der Übergang zum digitalen Zeitalter wurde für die Musikindustrie mit der Einführung digitaler Aufzeichnungs- und Wiedergabetechniken eingeläutet. Zur Digitalisierung von Musik werden audioakustische Schallwellen mit Hilfe eines Aufnahmemediums, gewöhnlich einem Mikrofon, eingefangen und mittels eines Analog-Digital-Wandlers in diskrete Messwerte, vorwiegend einem Binärcode umgewandelt, der als digitaler Datenstrom auf ein Trägermedium gespeichert und ausgelesen werden kann (vgl. Hofer 2000: 47).
Die in Kooperation von Sony und Philips entwickelte Compact Disc (CD), die 1982 der Öffentlichkeit zugänglich gemacht wurde und Musik in digitaler Form aufzeichnen und wiedergeben konnte (vgl. Kulle 1998: 16), gilt als erstes digitales Tonträgermedium. Mit der Entwicklung der CD und der Ablösung der Schallplatte und Audiokassette als vorherrschende Tonträgermedien, vollzogen sich erhebliche Urheberrechtsverletzungen, die sich für die Musikindustrie in Umsatzeinbußen ausdrückten. Das digitale Musikformat auf der CD förderte insbesondere für den privaten Gebrauch „das einfache, schnelle und kostengünstige Duplizieren mittels PC“ (Wirtz 2013a: 566).
Doch erst geeignete Verfahren zur Datenkompression von Musikstücken sowie die Weiterentwicklung des Internets und seiner Übertragungstechnologien (z.B. via Glasfaserkabel) ermöglichten neue onlinebasierte, legale wie auch illegale, Geschäftsmodelle in Form von Tauschbörsen, Download-Portalen oder Streaming-Diensten. Für die Kompression und den Transport audiovisueller Daten sind die MPEG-Standards von großer Bedeutung. Ursprünglich für eine effizientere Bildsprache entwickelt, eignen sie sich ebenso für die digitale Speicherung von Audiodateien (vgl. Heinrichs 2006: 124).
Das derzeit populärste und am weitesten Verbreiteste aller verlustbehaften Audioformate ist das MPEG-1 Layer 3 (MP3), das in gemeinsamer Kooperation des Frauenhofer Instituts für Integrierte Schaltungen (Frauenhofer IIS), der Universität Nürnberg sowie den Firmen AT&T, Bell Labs und Thomson entwickelt wurde (vgl. Meinel/Sack 2009: 234). Die MP3-Datenkomprimierung nutzt dabei die psychoakustischen Effekte der akustischen Wahrnehmung aus, indem Frequenzbereiche aus dem Musikstück herausgefiltert werden, die vom menschlichen Ohr nicht wahrgenommen werden können. Durch dieses Verfahren lassen sich Musikdateien auf rund 8% der ursprünglichen Größe komprimieren, ohne dass größere hörbare Unterschiede ausgemacht werden können (vgl. Beck 2011: 238). Den komprimierten Musikdateien bietet die Weiterentwicklung des Internets zum Web 2.0 mit seinen zur Verfügung stehenden Bandbreiten und kollaborativen Grundkonzepten eine nutzerfreundliche und weltweit zugängliche Plattform (vgl. ebd.: 24).
Zusammenfassung der Kapitel
1 EINLEITUNG: Die Arbeit grenzt ihren Gegenstand ein, erläutert den Forschungsansatz und formuliert vier Untersuchungshypothesen.
2 THEORETISCHES FUNDAMENT: Bourdieus Feldtheorie und Petersons kultursoziologischer Produktionsansatz bilden den theoretischen Rahmen.
3 GRUNDLAGEN: Das Kapitel erläutert Musik als Gut, die Struktur der Musik- und Tonträgerindustrie sowie die technischen Grundlagen der Digitalisierung.
4 DER MUSIKKULTURELLE WANDEL: Historische und digitale Umbrüche werden mit veränderten Wertschöpfungsstrukturen und digitalen Vertriebsmodellen verbunden.
5 SOZIOKULTURELLER WANDEL: Im Mittelpunkt stehen veränderte Konsumwerte, Urheberrechtsfragen, die Wertschätzung von Musik und die Rückwendung zu älteren Medien.
6 PARADIGMA 4: DAS ZEITALTER DES DIGITALEN: Das Kapitel untersucht Marktstrukturen und Strategien neuer wie etablierter Akteure und diskutiert Mashups als mögliche neue Musikästhetik.
7 FAZIT: Die Ergebnisse werden zusammengeführt und die Wechselwirkungen zwischen technischem, gesellschaftlichem und wirtschaftlichem Wandel betrachtet.
Schlüsselwörter
Musikindustrie, Digitalisierung, Tonträgerindustrie, Musikkultur, Paradigmenwechsel, Wertschöpfung, Musikstreaming, Musikdownloads, Geschäftsmodelle, Konsumverhalten, Urheberrecht, Retromanie, Mashup
Häufig gestellte Fragen
Worum geht es in der Arbeit?
Sie untersucht den digitalen Wandel der deutschen Musikindustrie und seine kulturellen, gesellschaftlichen und wirtschaftlichen Dimensionen.
Welche Themenfelder stehen im Mittelpunkt?
Behandelt werden unter anderem digitale Vertriebsformen, Wertschöpfung, Konsumverhalten, Urheberrecht und Veränderungen musikalischer Ausdrucksformen.
Was ist das zentrale Ziel der Untersuchung?
Die Arbeit möchte erklären, wie Akteure, Formate und Geschäftsmodelle im digitalen musikkulturellen Wandel zusammenwirken.
Welche wissenschaftliche Methode wird verwendet?
Der Autor arbeitet interdisziplinär mit Fachliteratur und Internetquellen. Als Ausgangspunkt dient Tschmucks Modell kultureller Paradigmen, ergänzt durch Bourdieus Feldtheorie und Petersons Produktionsansatz.
Was behandelt der Hauptteil?
Er beschreibt historische Umbrüche, digitale Musikdistribution, Veränderungen der Konsumentenwerte und Strategien verschiedener Marktakteure.
Welche Begriffe charakterisieren die Arbeit?
Zu den zentralen Begriffen gehören Digitalisierung, Paradigmenwechsel, Wertschöpfung, Musikstreaming, Konsumverhalten und Urheberrecht.
Welche Rolle spielen ältere Tonträger im digitalen Wandel?
Unter dem Begriff Retromanie betrachtet die Arbeit das erneute Interesse an Schallplatten und anderen vergangenheitsbezogenen Erscheinungsformen.
Wie werden Streamingangebote und Musikdownloads eingeordnet?
Die Arbeit unterscheidet Kauf- und Mietdownloads, Musikdienste mit direktem Zugriff sowie Internetradios und vergleichbare Streamingangebote.
Warum werden Mashups untersucht?
An ihnen diskutiert der Autor, ob digitale Produktionsmöglichkeiten eine neue Musikästhetik hervorbringen und welche urheberrechtlichen Fragen dabei entstehen.
- Quote paper
- Julian Gilbert (Author), 2013, Die deutsche Musikindustrie im digitalen Zeitalter, Munich, GRIN Verlag, https://www.grin.com/document/292930
