"Your body is a battleground" - dieses Zitat der Pop-Art-Künstlerin Barbara Kruger beschreibt eindrucksvoll die Thematik, welche Gegenstand dieser Arbeit ist: Der weibliche Körper ist, seit Menschen begannen sich künstlerisch auszudrücken, eines der primären Motive der (bildenden) Kunst - dies belegt bereits die jungsteinzeitliche Statue der Venus von Willendorf.
Dass die produzierten Bilder von Frauen fast ausnahmslos männlicher Schöpfung entstammen, lässt sich durch die patriarchale Struktur der Gesellschaft im Allgemeinen sowie durch jene des Kunstbetriebes im Besonderen erklären. Dabei wurden die weiblichen Körper auf eine männlicher Ästhetik entsprechend idealisierte Weise dargestellt und trugen somit zur Objektivierung und Entmündigung der Frauen bei. Eine Loslösung aus diesen Strukturen fand durch das Aufkommen der zweiten Welle der feministischen Frauenbewegung (ab den sechziger Jahren des 20. Jahrhunderts) statt, im Rahmen derer Frauen sich zunehmend von den patriarchalen Gesellschaftsstrukturen lösten und sich nicht länger als Objekte männlicher
Bedürfnisbefriedung, sondern stattdessen als eigenständige Subjekte behaupteten. Dass eine solche Lösung aus derart verhärteten Strukturen radikal vollzogen werden musste, zeigt die Geschichte der Feministischen Avantgarde wie die Kunstkritikerin und Publizistin Gabriele Schor die feministischen Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts in der gleichnamigen
Ausstellung und Publikation beschreibt.
In dem Kampf um die Selbstbestimmung ihrer Leben und Körper fanden die Künstlerinnen zunehmend extremere Ausdrucksformen, um sich aus der Objektivierung zu lösen und wählten die Performance-Kunst als eines der zentralen Medien. Dies scheint insbesondere in Bezug auf die Darstellung weiblicher Körper konsequent, da die Performance, neben dem Happening und der Aktionskunst, als theatrale Gattung aus der bildenden Kunst hervorging. Dabei spielten sowohl der bewusste Einsatz des eigenen, nackten Körpers als auch dessen Beschädigung oder Zerstörung eine zentrale Rolle.
Dies wird im Verlauf dieser Arbeit exemplarisch am Beispiel der Performerinnen Gina Pane, Carolee Schneemann und VALIE
EXPORT überprüft. [...]
Inhaltsverzeichnis
1. Einleitung
2. Aktiv versus passiv – nackte Frauenkörper als Objekte männlichen Begehrens
2.1 Der Blick
2.1.1 Der Voyeur im Dunkeln – Laura Mulvey
2.1.2 Der Blick bei Jean Paul Sartre
2.2 „Do women have to be naked to get into the Met. Museum?“ – Die Frau in der Kunst
2.3 Die Frau als Pinsel
2.4 Die performative Rückeroberung des weiblichen Körpers – feministische Reaktionen auf patriarchale Performance-Praxis
2.4.1 Die Erschließung der Performance-Kunst – Vagina Paintings und Up to and Including Her Limits
2.4.2 Die Renaissance des lebenden Pinsels
2.4.2.1 Umsetzungen in den neunziger Jahren
2.4.2.2 PlopEgg – die narzisstische Inszenierung der Geburt eines Bildes
3. Die Transformation des weiblichen Körpers in der Performance-Kunst
3.1 Der Körper im Schmerz – Gina Pane
3.1.1 Die Wunde als Zeichen einer weiblichen Sprache
3.1.2 Autoaggression als Weg zur Subjektivität
3.1.3 Gina Pane als Märtyrerin – kathartisches Erleben durch die symbolische Selbstopferung
3.2 Carolee Schneemann – die Rekuperation des eigenen, weiblichen Körpers qua Blick
3.2.1 Die Entgrenzung der Malerei und ihre Überführung in die Performance-Kunst
3.2.2 Die Synthese und Dekonstruktion von Künstlerin und Kunstwerk – Eye/Body: 36 Transformative Actions for Camera
3.2.3 Fuses
3.3 VALIE EXPORT – die (De-)Konstruktion von Identität
3.3.1 VALIE EXPORT zum Bild der Frau in der Kunst – Das Reale und sein Double: Der Körper
3.3.2 Die Emanzipation des Doubles – VALIE EXPORT gegen Körperbilder
3.3.3 Der erwiderte Blick
3.3.3.1 Das Tapp- und Tastkino
3.3.3.2 Aktionshose: Genitalpanik
3.4 Aktualisierung durch Reenactments – eine vergleichende Betrachtung
4. Schlussfolgerungen
Zielsetzung und Themen
Die Arbeit untersucht, wie feministische Performance-Künstlerinnen den eigenen Körper einsetzen und dabei auf dessen kunsthistorische Objektivierung reagieren. Im Mittelpunkt steht die Frage, welche unterschiedlichen Möglichkeiten Gina Pane, Carolee Schneemann und VALIE EXPORT entwickeln, um Körperbilder und das Verhältnis von künstlerischem Subjekt und betrachtetem Objekt zu verändern.
- Der männliche Blick in Filmtheorie und Philosophie
- Die Darstellung weiblicher Körper in der Kunstgeschichte
- Yves Kleins Anthropometrien und feministische Gegenentwürfe
- Schmerz, Selbstverletzung und körperliche Zeichen bei Gina Pane
- Körper, Bildproduktion und Film bei Carolee Schneemann
- Medienkritik und Wiederaufführung feministischer Performances
Auszug aus dem Buch
3.1.1 Die Wunde als Zeichen einer weiblichen Sprache
Bevor Gina Pane mit ihren Körperaktionen begann, arbeitete sie im Bereich der installativen und bildenden Kunst, jedoch wurde ihr erst ab den späten sechziger Jahren, im Rahmen ihrer performativen Aktionen, in denen sie sich mit dem Ausloten der Grenzen des eigenen Körpers beschäftigte, ein größeres mediales Interesse zuteil. Bereits in ihren ersten Performances, die sich einer, noch rudimentären, Zeichensprache bedienten, nimmt die Beziehung der Künstlerin zur Natur einen zentralen Stellenwert ein. So trug sie, im Zuge der Arbeit Pierres déplacées von 1968 in einem Gebirgstal bis zur Erschöpfung Steine von der Schatten- zur Sonnenseite oder versuchte im Rahmen der Performance Enfoncement d'un rayon de soleil von 1969 die Wärme der Sonne mittels Spiegeln in ein flaches Loch zu ‚pflanzen‘ oder sie dort zu ‚begraben‘. Eine schrittweise Annäherung Panes an die Wunde fand mit der Aktion Situation idéale: Terre – Artiste – Ciel von 1969 statt. Alle diese Arbeiten wurden in der Natur unter Ausschluss der Öffentlichkeit durchgeführt. Lediglich Fotografien, die von Pane sogenannten ‚Constats‘, dokumentierten das Geschehen. Eine Aufnahme der Aktion Situation idéale: Terre – Artiste – Ciel zeigt Pane auf der steinigen Erde stehend in starrer Haltung. Über Ihr befindet sich der Himmel. Sie blickt von einem erhabenen Standpunkt aus direkt in die Kamera und erwidert so den Blick der Betrachter*innen. Pane durchbricht hier die horizontale Trennung von Erde und Himmel und wird somit als störendes Element zur theoretischen Wunde des Bildes. Ihr vertikal aufgerichteter Körper steht im Zentrum der Fotografie und ergibt so, zusammen mit dem Horizont eine kreuzförmige Fragmentierung des Bildes. Dass jedoch auch der Künstlerinnenkörper fragmentiert ist, zeigt sich durch die Linie, mit welcher Pane das Passepartout des Bildes graphisch verlängerte. Diese Linie durchkreuzt das Wort „artiste“ (Abb. 12).
Zusammenfassung der Kapitel
Einleitung: Die Einleitung führt in die kunsthistorische Objektivierung weiblicher Körper ein und stellt die untersuchten Künstlerinnen sowie den Aufbau der Arbeit vor.
Aktiv versus passiv – nackte Frauenkörper als Objekte männlichen Begehrens: Dieses Kapitel erläutert Blicktheorien und zeichnet die Stellung von Frauen in der Kunstgeschichte nach. Es untersucht Yves Kleins Anthropometrien und feministische Reaktionen darauf.
Die Transformation des weiblichen Körpers in der Performance-Kunst: Anhand ausgewählter Arbeiten von Gina Pane, Carolee Schneemann und VALIE EXPORT werden unterschiedliche körper- und medienbezogene Strategien analysiert. Ein weiterer Abschnitt betrachtet spätere Wiederaufführungen.
Schlussfolgerungen: Das abschließende Kapitel führt die untersuchten künstlerischen Ansätze zusammen und betrachtet ihre Bedeutung für die Auseinandersetzung mit Körperbildern.
Schlüsselwörter
Feministische Performance-Kunst, Körperbilder, weiblicher Körper, männlicher Blick, Objektivierung, Subjektivität, Gina Pane, Carolee Schneemann, VALIE EXPORT, Yves Klein, Anthropometrien, Selbstverletzung, Medienkritik, Wiederaufführung
Häufig gestellte Fragen
Worum geht es in der Arbeit?
Sie untersucht den Einsatz weiblicher Körper in der feministischen Performance-Kunst anhand ausgewählter Arbeiten von Gina Pane, Carolee Schneemann und VALIE EXPORT.
Welche Themen stehen im Mittelpunkt?
Zu den Schwerpunkten gehören die Objektivierung von Frauenkörpern, der männliche Blick, körperliche Selbstbestimmung und die Rolle von Künstlerinnen im Kunstbetrieb.
Welches Ziel verfolgt die Untersuchung?
Sie will exemplarisch zeigen, mit welchen unterschiedlichen künstlerischen Strategien die drei Performerinnen tradierte Körperbilder bearbeiten.
Welche wissenschaftliche Methode wird verwendet?
Die Arbeit verbindet eine literaturgestützte kunst- und kulturwissenschaftliche Analyse mit der vergleichenden Interpretation ausgewählter Performances und ihrer Dokumentationen.
Was behandelt der Hauptteil?
Der Hauptteil untersucht zunächst historische Blick- und Darstellungsverhältnisse und widmet sich anschließend den Werken der drei Künstlerinnen sowie späteren Wiederaufführungen.
Welche Begriffe kennzeichnen die Arbeit?
Wichtige Begriffe sind Performance-Kunst, Objektivierung, männlicher Blick, Körperbild, Subjektivität, Selbstverletzung und Wiederaufführung.
Welche Rolle spielen Yves Kleins Anthropometrien?
Sie dienen als Ausgangspunkt für die Untersuchung der Nutzung weiblicher Körper in der Bildproduktion und für den Vergleich mit feministischen künstlerischen Reaktionen.
Wie wird Gina Panes Umgang mit Verletzungen betrachtet?
Die Arbeit untersucht ihre Wunden als körperliche Zeichen und fragt nach deren Bedeutung für Subjektivität und Kommunikation mit dem Publikum.
Warum werden spätere Wiederaufführungen einbezogen?
An ihnen wird untersucht, wie historische Performances dokumentiert, erneut interpretiert und in veränderte gesellschaftliche Zusammenhänge übertragen werden.
- Quote paper
- Jana Nowak (Author), 2016, Der weibliche Körper in der feministischen Performance-Kunst, Munich, GRIN Verlag, https://www.grin.com/document/374523
