Im Gegensatz zum an handwerkmäßig auszuführenden Auftragsarbeiten gebundenen Künstler, der Vorschriften bezüglich des Themas sowie der Art und Weise der Darstellung unterlag, stand der so genannte „freie“ Künstler der Neuzeit. Der „freie“ Künstler war nicht mehr an dem Auftraggeber gebunden und dadurch hatte er die Möglichkeit für individuelle künstlerische Entfaltung. Er arbeitete für den freien Markt. Das Verschwinden des Auftraggebers und der Konkurrenzkampf um die Aufmerksamkeit und die Gunst eines anonymen Publikums führten sowohl konservative als auch progressive Künstler dazu, sich von ihrer Bindung an die bisher überlieferten Bildthemen zu befreien. Im 19. Jahrhundert befreit sich die Kunst von allen Zwecken und Bindungen. Sie fällt aus alten Lebenszusammenhängen und wird autonom. Ab diesem Zeitpunkt spricht man nicht vom Handwerk sondern von einer „freien“ Kunst.
Die Entwicklung der Kunst zur „freien“ Kunst ist unter anderem durch die Gründung der Kunstakademien und die Errichtung der Kunstmuseen bedingt. Die Gründung der Akademie demonstriert die der Kunst zugestandene Stellung, ihre Lösung vom Handwerk und die Anerkennung von Malerei und Plastik als Kunst im „modernen“ Sinn. Das Ausstellen des nationalen Kunstbesitzes war zu diesem Zeitpunkt eine revolutionäre Tat aber es demonstrierte zugleich die Funktionslosigkeit der als Schauobjekte ausgestellten Kunstwerke. Die Kunst wird isoliert und aus dem allgemeinen Zusammenhängen gelöst. Der Funktionsverlust ermöglicht aber der Kunst einen bis dahin nicht gekannten Grad der Wertschätzung. Die der Kunst zugestandene „Freiheit“ und „Autonomie“ ermöglicht die Kunst eine scheinbar von der herrschenden Klasse unbeeinflusste Eigenentwicklung. Daraus
folgt eine Kunst, deren treibende Kraft ihre Eigengesetzlichkeit und Freiheit ist. 1 In der Kunst des 19. Jahrhunderts liegen die Wurzeln der modernen Kunst. Hier wurden die entscheidenden Grundlagen für die moderne Kunst gelegt: die Deutung der Realität statt deren Wiedergabe sowie die Selbstbefreiung der Farbe.
Auf einen Blick
- Note: 1,0
- Vergleich der Kunstkonzeptionen von Philipp Otto Runge, Charles Baudelaire und John Ruskin
- Gegenüberstellung von Romantik, Naturalismus, Realismus und Impressionismus als Wegbereiter der Moderne
- 21 Quellen im Literaturverzeichnis
Inhaltsverzeichnis
1 Einführung
2. Der Begriff „modern“ / „Moderne“.
3. Das Welt- und Menschenbild des 19. Jahrhunderts.
4. Die Reflexionen über Kunst in der Philosophie um 1800:
4.1. Karl Philipp Moritz
4.2. Emmanuel Kant
5. Die Reflexionen über Kunst im 19. Jahrhundert
5.1. Otto Philipp Runge
5.2. Charles Baudelaire
5.3. John Ruskin
6. Die Kunst des 19. Jahrhunderts
6.1. Romantik
6.2. Naturalismus und Realismus
6.3. Impressionismus
7. Schlussbetrachtung
Zielsetzung und thematische Schwerpunkte
Die vorliegende Arbeit untersucht die kunstgeschichtliche und theoretische Entwicklung des 19. Jahrhunderts im Hinblick auf ihre Rolle als Wegbereiterin der Moderne. Im Zentrum steht die Frage, wie der Übergang vom traditionellen Auftragshandwerk zur autonomen, freien Kunst vollzogen wurde und welche philosophischen Konzepte sowie stilistischen Strömungen den Weg in die moderne Gegenstandslosigkeit ebneten.
- Begriffs- und Ideengeschichte der Begriffe „modern“ und „Moderne“
- Gesellschaftlicher Wandel, Säkularisierung und Industrialisierung im langen 19. Jahrhundert
- Philosophische Begründung der Autonomie-Ästhetik durch Karl Philipp Moritz und Immanuel Kant
- Kunsttheoretische Reflexionen bei Philipp Otto Runge, Charles Baudelaire und John Ruskin
- Entwicklungslinien und stilistische Umbrüche in Romantik, Naturalismus, Realismus und Impressionismus
Auszug aus dem Buch
.Einführung
Im Gegensatz zum an handwerkmäßig auszuführenden Auftragsarbeiten gebundenen Künstler, der Vorschriften bezüglich des Themas sowie der Art und Weise der Darstellung unterlag, stand der so genannte „freie“ Künstler der Neuzeit. Der „freie“ Künstler war nicht mehr an dem Auftraggeber gebunden und dadurch hatte er die Möglichkeit für individuelle künstlerische Entfaltung. Er arbeitete für den freien Markt. Das Verschwinden des Auftraggebers und der Konkurrenzkampf um die Aufmerksamkeit und die Gunst eines anonymen Publikums führten sowohl konservative als auch progressive Künstler dazu, sich von ihrer Bindung an die bisher überlieferten Bildthemen zu befreien. Im 19. Jahrhundert befreit sich die Kunst von allen Zwecken und Bindungen. Sie fällt aus alten Lebenszusammenhängen und wird autonom. Ab diesem Zeitpunkt spricht man nicht vom Handwerk sondern von einer „freien“ Kunst.
Die Entwicklung der Kunst zur „freien“ Kunst ist unter anderem durch die Gründung der Kunstakademien und die Errichtung der Kunstmuseen bedingt. Die Gründung der Akademie demonstriert die der Kunst zugestandene Stellung, ihre Lösung vom Handwerk und die Anerkennung von Malerei und Plastik als Kunst im „modernen“ Sinn. Das Ausstellen des nationalen Kunstbesitzes war zu diesem Zeitpunkt eine revolutionäre Tat aber es demonstrierte zugleich die Funktionslosigkeit der als Schauobjekte ausgestellten Kunstwerke. Die Kunst wird isoliert und aus dem allgemeinen Zusammenhängen gelöst. Der Funktionsverlust ermöglicht aber der Kunst einen bis dahin nicht gekannten Grad der Wertschätzung. Die der Kunst zugestandene „Freiheit“ und „Autonomie“ ermöglicht die Kunst eine scheinbar von der herrschenden Klasse unbeeinflusste Eigenentwicklung. Daraus folgt eine Kunst, deren treibende Kraft ihre Eigengesetzlichkeit und Freiheit ist. In der Kunst des 19. Jahrhunderts liegen die Wurzeln der modernen Kunst. Hier wurden die entscheidenden Grundlagen für die moderne Kunst gelegt: die Deutung der Realität statt deren Wiedergabe sowie die Selbstbefreiung der Farbe.
Zusammenfassung der Kapitel
1 Einführung: Erläutert die Emanzipation des Künstlers vom traditionellen Auftragswesen hin zum freien Markt sowie die Genese der autonomen Kunst.
2. Der Begriff „modern“ / „Moderne“.: Zeichnet die semantische und historische Entwicklung des Begriffs von der Spätantike über die Querelle des Anciens et des Modernes bis zur Avantgarde nach.
3. Das Welt- und Menschenbild des 19. Jahrhunderts.: Beleuchtet die gesellschaftlichen, naturwissenschaftlichen und industriellen Umbrüche sowie die Neuorientierung des menschlichen Selbstverständnisses.
4. Die Reflexionen über Kunst in der Philosophie um 1800:: Diskutiert die theoretische Grundlegung der Autonomie-Ästhetik durch das in sich Vollendete bei Karl Philipp Moritz und das interesselose Wohlgefallen bei Immanuel Kant.
5. Die Reflexionen über Kunst im 19. Jahrhundert: Analysiert kunsttheoretische Positionen von Runge, Baudelaire und Ruskin mit Fokus auf Landschaftsmalerei, Phantasie und Naturerfahrung.
6. Die Kunst des 19. Jahrhunderts: Beschreibt den stilistischen Wandel von der Romantik über Naturalismus und Realismus bis hin zum Impressionismus als schrittweise Befreiung von Form und Farbe.
7. Schlussbetrachtung: Bündelt die Ergebnisse und resümiert die Entwicklung hin zur Gegenstandslosigkeit und zur Neudefinition des Verhältnisses von Kunst und Wirklichkeit.
Schlüsselwörter
Moderne, Autonomie der Kunst, 19. Jahrhundert, Ästhetik, Romantik, Impressionismus, Realismus, Landschaftsmalerei, Karl Philipp Moritz, Immanuel Kant, Charles Baudelaire, John Ruskin, Gegenstandslosigkeit, Farbautonomie, Freilichtmalerei
Häufig gestellte Fragen
Worum geht es in der Arbeit grundsätzlich?
Die Arbeit analysiert die historische und kunsttheoretische Entwicklung im 19. Jahrhundert, die den Wandel vom zweckgebundenen Handwerk zur autonomen Kunst der Moderne eingeleitet hat.
Welche zentralen Themenfelder werden abgedeckt?
Zu den thematischen Feldern gehören die Begriffsgeschichte der Moderne, der gesellschaftliche Epochenkontext, philosophische Ästhetiktheorien sowie die bedeutendsten Kunstströmungen des 19. Jahrhunderts.
Was ist das primäre Ziel der Untersuchung?
Das Ziel besteht darin aufzuzeigen, wie theoretische Reflexionen und malerische Praxis des 19. Jahrhunderts die Fundamente für die moderne Kunst und die spätere Gegenstandslosigkeit legten.
Welche wissenschaftliche Methodik kommt zur Anwendung?
Die Untersuchung stützt sich auf eine theorie- und literaturanalytische Auswertung kunsthistorischer und philosophischer Primär- und Sekundärtexte.
Was wird im Hauptteil inhaltlich ausgeführt?
Im Hauptteil werden zunächst die ästhetischen Entwürfe von Moritz, Kant, Runge, Baudelaire und Ruskin besprochen, gefolgt von einer detaillierten Betrachtung von Romantik, Realismus und Impressionismus.
Welche Schlüsselbegriffe kennzeichnen den Text?
Zentrale Begriffe sind Kunstautonomie, Moderne, Ästhetik, zweckfreies Wohlgefallen, Landschaftsmalerei, Einbildungskraft sowie Befreiung der Farbe.
Welche Bedeutung misst die Autorin der Landschaftsmalerei bei?
Die Landschaftsmalerei wird bei Denkern wie Runge und Ruskin als revolutionäre Gattung beschrieben, die das subjektive Empfinden freisetzte und zur Überwindung antikisierender akademischer Zwänge beitrug.
Warum schließt die Arbeit den Klassizismus weitgehend aus der Betrachtung aus?
Der Klassizismus wird nicht vertieft behandelt, da er nach Auffassung der Autorin durch sein starres Festhalten an traditionellen Schönheitsidealen kaum zur Entstehung moderner Kunstprinzipien beigetragen hat.
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- Justyna Purwin (Author), 2006, Die Kunst des 19. Jahrhunderts als Weg in die Moderne, Munich, GRIN Verlag, https://www.grin.com/document/59981
